quarta-feira, 29 de fevereiro de 2012

LORAINE BALEN TATTO

A pianista Loraine Ferla Balen Tatto é natural de Caxias do Sul e diplomou-se no Curso Superior de Piano na Faculdade de Artes da Universidade de Passo Fundo (RS). Possui pós-graduação na Universidade Federal de Santa Maria, com o professor suíço Sebastian Benda. Estudou com Roberto Szidon, Arnaldo Estrella, Eduardo Hazan, Miguel Proença e Magdalena Tagliaferro ,que lhe deu o título de “melhor intérprete”. Completou os estudos de piano na França e Itália.

Além do Brasil realizou concertos na Argentina, Chile, Uruguai, Costa Rica, Itália, França, Hungria, China e Irlanda. É professora dos Cursos de Master-Class e Seminários de Interpretação Pianistica pelo Brasil. Seu nome consta na “Enciclopédia da Mulher Brasileira” e é convidada a fazer parte da comissão julgadora dos concursos nacionais de piano. Possui um CD intitulado "Música Brasileira" .

Como aluna da pianista Loraine Balen Tatto, nos anos de 1990 à 1992 e também em 2002, posso dizer que me sinto privilegiada!



A pianista realiza anualmente concertos na Europa, Ásia, América Central e América do Sul é considerada uma das maiores pianistas brasileiras da atualidade especialista em Música Brasileira.

Durante as suas apresentações no exterior, Loraine recebeu diversos prêmios, entre eles, o prêmio internacional de cultura "Bellunesi nel Mondo" na Itália em 2006. A homenagem foi concedida pelo governo italiano a uma descendente de italianos que tenha se destacado em cultura na Itália e no mundo.




KARIN FERNANDES

A pianista brasileira Karin Fernandes nasceu em São Paulo e começou seus estudos pianísticos aos sete anos de idade. Aos dez, recebeu o primeiro prêmio em um concurso de piano, e também o prêmio de “Melhor intérprete de Música Brasileira”.

Suas premiações incluem vinte e um primeiros prêmios, com destaque para o “X Prêmio Eldorado de Música”, em 1999.

Como pianista solista, Karin já se apresentou em todas as regiões brasileiras, e também em Portugal, Inglaterra, Argentina e Paraguai. No Brasil, com algumas das orquestras mais importantes do país, tais como Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, Orquestra Sinfônica de Campinas, Banda Sinfônica do Estado de São Paulo, Sinfonia Cultura, Orquestra Sinfônica da Universidade Estadual de Londrina, entre outras, atuando com os maestros John Neschling, Lutero Rodrigues, Benito Juarez, Roberto Farias, Emmanuele Baldini, Vitor Hugo Toro, Richard Markson, Fernando Berti, Edson Beltrami, Jean Reis, Rafael Sans-Espert, dentre outros.





Karin também gravou concertos ao vivo para a Rádio Cultura FM – Ravel (Concerto em sol maior), Rachmaninoff (Concerto nº 2) e Villani Côrtes (Concerto nº 3). Karin tem realizado várias “premières”, especialmente de obras de compositores brasileiros contemporâneos. Apresentou em primeira audição brasileira a Sonatina, de Marlos Nobre, Variações Asorovarc, de Ronaldo Miranda, Sem título, só-nus, de Silvia de Lucca (2008), Fantasia para 4 mãos, de Arrigo Barnabé, (2005), Concerto nº 3 e Primeira Sonata de Edmundo Villani Côrtes (2001), entre outras estreias. Karin graduou-se Bacharel em Música pela Universidade São Judas Tadeu, onde recebeu orientação da professora e compositora brasileira Lina Karin Fernandes Pires de Campos, discípula de Magda Tagliaferro.

Dentre os pianistas que contribuíram para a formação de Karin estão também Maria João Pires (Portugal), Menahem Pressler (Inglaterra) e Bernard Flavigny (França).

O primeiro CD de Karin Fernandes abrange composições do brasileiro Yves Rudner Schmidt. Seu segundo CD, com Sonatas de Prokofiev, Ginastera, Fernandez, Campos e a Sonatina de Ravel (selo Eldorado), recebeu críticas elogiosas e foi indicado ao prêmio “I Caras da Música” em duas categorias: “Melhor CD Erudito de 2001″ e “Artista Revelação de 2001″.

Em abril deste ano lançou o primeiro CD de seu trio, “Trio Puelli – Primma”, que foi indicado entre os 10 melhores lançamentos de 2011 pela Revista Bravo. Em 2012, estão previstos os lançamentos do segundo CD do Trio Puelli, “Trio Puelli – Três Américas” (em fase de produção), o CD “Baqte Ensemble” com obras para piano e percussão (lançamento em abril), e o CD “Edmundo Villani Côrtes – opus 80″ (lançamento em maio) com as duas Sonatas e a Sonatina para piano solo e dois concertos para piano e orquestra do compositor.

http://www.guiaerudito.com.br/aberto/mostra_videos.asp?cod=1137

Duo Flauta(Marta Ozzetti) e Piano(Karin Fernandes)


at Teat(r)o Oficina, São Paulo, Brazil.
on May 28, 2011.

EVA GOMYDE

Eva Barreto Gomyde Batista
* 15/03/1949 São José do Rio Preto, SP, Brasil.
Instrumentista, arranjadora, compositora.   

    
Eva Gomyde nasceu em uma família musical. Seu avô paterno, chefe de banda no interior, tocava vários instrumentos. Seu pai, piano, violão e sanfona. Sua mãe e suas três irmãs tocam piano. "Lembro-me que, em ocasiões como festas ou aniversários, tocávamos, minhas irmãs e eu, a quatro e a seis mãos. A música sempre esteve presente em minha casa, tocada, cantada ou dançada."
O primeiro contato de Eva Gomyde com a música foi na primeira infância: aos três anos de idade, ao ver passar uma procissão, correu para o piano e começou a tocar com as duas mãos a música que ouvia.
Eva começou a estudar aos sete anos, no interior. Quando mudou-se para São Paulo, estudou piano clássico na Escola Magda Tagliaferro. Foi aluna de piano popular de Amilton Godoy e, também, de Nelson Ayres, Cyro Pereira e Osvaldo Lacerda. Fez, ainda, um curso de verão na Manhattan School de Nova York.
Dos métodos que utilizava, a pianista recorda-se dos de Beringer, Czerny e dos exercícios da Escola Magda Tagliaferro, além do livro "Armonía del Siglo XX", de Vincent Persichetti (Ed. Real Musical).
De tudo o que aprendeu, o que ficou de mais útil para a pianista foi a técnica desenvolvida, que a auxilia até hoje quando quer tocar com desenvoltura algum arranjo mais difícil. O aprendizado mais agradável para Eva Gomyde foi o toque, a "pegada" que permite variações de sonoridade e de ambiência.
A figura decisiva em sua formação musical foi Amilton Godoy, por ter lhe ensinado toda a harmonia moderna jazzística e, efetivamente, a ouvir as gravações mais importantes. Ainda que tenha tido grandes professores, Eva Gomyde aprendeu ouvindo e observando, procurando não se restringir a um só estilo e a percorrer seu próprio caminho musical. Além de Amilton, as figuras musicais mais importantes em sua formação foram Bill Evans, Oscar Peterson, Chick Corea e Cesar Camargo Mariano, de quem extraiu lições sobre fraseado, dinâmica e improvisação.
http://musicosdobrasil.com.br/eva-gomyde


Batuca Duo - Eva Gomyde & Carlos Roberto Oliveira

EUDÓXIA DE BARROS

Eudóxia de Barros (São Paulo, 18 de setembro de 1937) é uma pianista brasileira, importante figura da música erudita do Brasil.
Estudou com Guilherme Fontainha, Magda Tagliaferro, Nellie Braga, Lina Pires de Campos e o compositor brasileiro Osvaldo Lacerda, com quem viria a se casar em 3 de setembro de 1982. O professor Osvaldo Lacerda faleceu em 18 de julho de 2011. Eudóxia de Barros aperfeiçoou-se na França, Estados Unidos e Alemanha. Venceu por unanimidade o concurso para solista da North Carolina Symphony, e foi solista da Cleveland Philharmonic Orchestra. Apresentou-se com grande brilho nas principais capitais do mundo e inúmeras cidades de todo o Brasil. Em 1979, publicou o livro Técnica Pianística. Gravou 31 discos. Muito tem contribuido para divulgar a obra musical de seu marido, o falecido professor Osvaldo Lacerda. Recebeu o Prêmio Nacional da Música outorgado pela Funarte em 1995.


Eudóxia de Barros - Academia Brasileira de Música 




Concerto - Academia Brasileira de Música Comemoração dos 60 anos
Inauguração do auditório biblioteca e da sala de acervos
1- Camargo Guarnieri - Improviso (homenagem a Villa Lobos)
2- Edino Krieger - Choro Manhoso3- Osvaldo Lacerda - Estudo nº 12

ANTONIETTA RUDGE

Antonietta Rudge (São Paulo, 13 de junho de 1885 --- São Paulo, 1974) foi uma das grandes pianistas brasileiras de prestígio internacional.Foi casada com Charles Miller (que introduziu o futebol no Brasil), e mais tarde, se uniu ao poeta modernista Menotti Del Picchia.
Demonstrando interesse pelo estudo de piano com apenas quatro anos de idade, seus pais contrataram o professor francês Gabriel Giraudon para ministrar aulas para a precoce artista. Estreou publicamente aos sete anos no salão da Casa Levy na rua XV de Novembro.
Continuando suas apresentações de menina prodígio, apresentou-se no ano seguinte no Clube Internacional, aos nove anos no Clube Germânia, executando obras de Beethoven. Nessa ocasião já era aluna do professor Luigi Chiaffarelli, introdutor em São Paulo de uma escola de interpretação que haveria de revelar outros pianistas que encantariam o público brasileiro e de outros países do mundo ocidental.
Voltou ao palco aos dez anos, com recital no Clube Internacional, ocasião em que foi muito aplaudida por apresentar composições de dificílima execução. Repetiu o sucesso em 1896 no Salão Steinway ao executar, de cor, doze peças musicais acompanhada em outro piano por seu mestre Chiaffarelli.
Em 1905, quanto contava com apenas vinte anos, iniciou na Europa sua bem sucedida carreira internacional.

 
Antonietta Rudge playing Ravel -Jeux d´eau 


Wonderful. The greatest brazilian pianist of all times. Teacher of the legendary Guiomar Novaes.

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

GUIOMAR NOVAES



Guiomar Novaes toca a Grande Fantasia Triunfal sobre o Hino Nacional Brasileiro, Op. 69, de Louis Moreau Gottschalk.




Guiomar Novaes foi uma das maiores pianistas do século XX, e uma das maiores do Brasil de todos os tempos. Aqui ela interpreta de forma soberba a obra que Gottschalk compôs para homenagear o Brasil, terra pela qual se apaixonou.


Guiomar Novaes plays the Grand Triumphal Fantasy on the Brazilian National Anthem, Op. 69, by Louis Moreau Gottschalk.

Guiomar Novaes was one of the greatest pianists of the 20th century, and one of Brazilian greatest of all time. Here she plays superbly the piece that Gottschalk composed as a tribute to Brazil, land which he felt in love with.


Guiomar Novaes (São João da Boa Vista, 28 de fevereiro de 1894São Paulo, 7 de março de 1979) foi uma pianista brasileira que construiu sólida carreira no exterior, particularmente nos Estados Unidos. Ficou especialmente conhecida pelas suas interpretações das obras de Chopin e Schumann. Foi importante divulgadora de Villa-Lobos no exterior.

Pianist Guiomar Novaes: O Polichinelo by Heitor Villa Lobos 



Guiomar Novaes (1895-1979)

Brazilian musician, child prodigy who was considered the greatest woman pianist for most of the 20th century. Born in Sao Joao da Boa Vista,SP, she was the 17th of 19 children.

Initially she studied with L.Chiafarelli. With aid by the brazilian government Mme Novaes was sent to audition for admittance to the Paris Conservatory before a jury of Cl. Debussy, G. Faure, M. Moskowski a.o. The jury selected her from 389 other participants and she studied with Is. Philipp, graduating in 1911.

Concert tours in France, England and Italy. She used to be the star of the Concerts Colonne. American debut in 1915. In Theatro Municipal de Sao Paulo in 1922.

Mme Novaes has been admired for her intense, intimate and charming interpretations particularly of music by romantic composers. She represents the French piano taste and she is a model of limpid technique.

She has also performed works by south American composers like the famous brazilian Heitor Villa Lobos and Octavio Pinto, her husband.

Mme Novaes was awarded the Brazilian Order of Merit in 1956.

Eu sempre toco uma peça de maneira diferente, pois descubro alguma coisa nova e me surpreendo como é que não tinha pensado nisso antes. Arte é a coisa mais sutil que existe. Nem sempre conseguimos compreendê-la.

Guiomar Novaes, Great Woman & piano, Time, Nova Iorque, 13 de dezembro de 1954

Para mim, é importante que o estudante tenha a oportunidade para desenvolver-se simples, normal e naturalmente num ser humano completo, que compreenda e aprecie a significação da verdade e do belo. Dessas coisas, em última análise, é que deve resultar um impulso para a Música. Do contrário, esta será pouco mais do que uma ginástica de dedos, uma máquina bem exercitada, mas sem alma. Toque com seus dedos e seu cérebro, mas cante com sua alma.

Guiomar Novaes, A conference with Guiomar Novaes, The Etude Music Magazine, Março de 1939

Tocar piano nunca foi um esforço para mim. Há pessoas que estudam seis, sete ou oito horas por dia. Acho-as admiráveis. Talvez tenham muito a preparar, é natural. Eu nunca estudei tanto tempo; não tenho paciência. Gosto de tocar piano uma ou uma hora e meia e depois olhar para o céu. Mais tarde volto ao trabalho. Guiomar Novaes, Great Woman & piano, Time, Nova Iorque, 13 de dezembro de 1954


Críticas Destacadas



  • Para escrever sobre um recital de Guiomar Novaes - a brilhante jovem pianista brasileira - é preciso valer-se de uma requintada lista de adjetivos e aplicá-los no superlativo. Mesmo assim, é difícil transmitir com precisão, o domínio que essa jovem e talentosa artista tem sobre o seu público. - Musical America, 2 de dezembro de 1916.
    • A palavra gênio não é simplesmente indicada para sua interpretação, mas é a expressão adequada para caracterizar a habilidade desta jovem pianista que faz reviver os grandes compositores. Há alguma coisa de misterioso e de mágico. Ela quase nos faz acreditar em espiritismo e reencarnação. - Henry T. Finck. New York Evening Post, 12 de novembro de 1917.
    • Ela toca como se estivesse improvisando ou como se algum espírito invisível estivesse soprando ao seu ouvido os segredos mais profundos de toda a harmonia. - Times, Louisville, 27 de fevereiro de 1919.
    • Sob seus dedos privilegiados, o piano adquire todos os timbres da orquestra, fazendo-nos ouvir a suavidade das flautas, a melancolia dos instrumentos de madeira, a sonoridade dourada dos metais ou a maleabilidade das cordas. - O Estado de S. Paulo, 7 de outubro de 1936.
    • Novaes é a mais pessoal das pianistas. Faz coisas ao seu próprio modo. Cria suas próprias normas. Frequentemente tem ideias singulares. Mas tem a autoridade e intuição musical para ser sempre absolutamente convincente. - The New York Times, 5 de dezembro de 1954.

    Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
    (Redirecionado de Guiomar Novais)

    terça-feira, 28 de fevereiro de 2012

    HOMENAGEANDO MAGDA TAGLIAFERRO (PARTE 4)


    Seu nome brilha ao lado de artistas como Arthur Rubinstein, Vladimir Horowitz, Claudio Arrau, Antonieta Rudge, Guiomar Novais e Marguerite Long. A pianista Magdalena Tagliaferro impôs uma nova concepção de sonoridade feminina no teclado. Exímia intérprete, tornou-se uma referência interpretativa. Foi um símbolo da arte de tocar piano, uma personalidade de energia contagiante, um talento exuberante. Desde sempre foi reverenciada pela crítica. Desenvolveu uma brilhante carreira artística, sem nunca esquecer da missão pedagógica. Segundo ela, não há gênio no mundo que resista à falta de estudo.


    HOMENAGEANDO MAGDA TAGLIAFERRO -( PARTE 3)

        
    Magda Tagliaferro
    Magda Tagliaferro, c. 1940
    Nome completoMagdalena Maria Yvonne Tagliaferro
    Nascimento19 de janeiro de 1893 Petrópolis
    Morte9 de setembro de 1986 (93 anos) Rio de Janeiro
    Nacionalidade Brasil
    OcupaçãoPianista

    Aos treze anos ganhava o Primeiro Prêmio do Conservatório Nacional de Paris. Apresentava regularmente concertos na França e em outros países da Europa, além do Brasil e Estados Unidos. Foi professora em Paris, São Paulo e Rio de Janeiro. Recebeu vários prêmios e condecorações nacionais e internacionais. Em 1929 gravou o primeiro disco. Desenvolveu uma técnica de ensino muito particular e foi criadora do que hoje chamamos de Aula Pública, que visa a educação dos alunos e a formação do público. Em 1940 fundou a Escola Magda Tagliaferro e em 1969 constituiu a Fundação Magda Tagliaferro. Para ela, o homem só poderia ser verdadeiro se, em seu desejo de perfeição, aceitasse e, até mesmo, tirasse partido de sua falibilidade. Seu último aluno bolsista em Paris, o pianista e produtor paulista Fábio Caramuru, vem coordenando uma série de projetos culturais em sua memória, a convite da Fundação Magda Tagliaferro.



    Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

    HOMENAGEANDO MAGDA TAGLIAFERRO (PARTE 2)



    Concertos Magda Tagliaferro
    De 16 a 20 de novembro de 2011
    Local: Caixa Cultural - Praça da Sé, 111 - São Paulo
    Nove pianistas brasileiros apresentaram-se na Caixa Cultural para lembrar Magda Tagliaferro, um dos nomes mais importantes da história da música clássica do século XX, falecida há 25 anos (1893-1986).




    HOMENAGEANDO MAGDA TAGLIAFERRO



         Entre os dias 16 e 20 de novembro de 2011, em São Paulo, nove pianistas brasileiros apresentaram-se na Caixa Cultural para lembrar Magda Tagliaferro, um dos nomes mais importantes da história da música clássica do século XX, falecida há 25 anos (1893-1986). Com direção artística
    de Fábio Caramuru, http://www.fabiocaramuru.com.br,
    a série Concertos Magda Tagliaferro teve, além dos recitais, uma mesa redonda sobre a trajetória da artista. Todos os eventos tiveram entrada franca. A realização foi da Echo Promoções Artísticas, http://www.echobr.com

          Dos nove convidados, seis são ex-alunos da pianista: além de Fábio Caramuru - último brasileiro a estudar com Magda Tagliaferro como bolsista em Paris -, também estiveram no palco Flavio Varani, Gilberto Tinetti, Eva Gomyde, Analaura de Souza Pinto e Eudóxia de Barros.

          Além deles, a programação trouxe ainda três pianistas de expressiva representatividade na cena musical atual e que, cada um a seu estilo, dá continuidade ao legado da homenageada. São eles: Ronaldo Rolim, Karin Fernandes e Marco Antonio Bernardo.
          Para Caramuru, particularmente, por ter sido seu último aluno bolsista na França:"Essa série de concertos é uma forma de retribuir à Magda Tagliaferro tudo que ela nos proporcionou, prestar essa homenagem foi algo mais do que especial".  Os artistas tiveram autonomia para escolherem os programas dos recitais e também conseguiu-se vídeos raros de apresentações e entrevistas com Magda Tagliaferro - que foram exibidos a partir de 8 de novembro no hall da Caixa Cultural.

    Concertos Magda Tagliaferro
    De 16 a 20 de novembro de 2011
    Local: Caixa Cultural - Praça da Sé, 111 - São Paulo

    MÚSICA INTUITIVA

            Stockhausen levou a música aleatória a um ponto extremo com aquilo que chamou de música intuitiva. Em maio de 1968, ele se isolou por sete dias, sem comer, apenas mergulhado em profunda meditação. Disso resultou Aus den Sieben Tagen : Compositions May 1968, da qual damos aqui um trecho:

    Ankunft - Chegada (para qualquer número de instrumentistas)

    Abandone tudo, estamos no caminho errado.
    Comece por você mesmo: você é o músico.
    Pode transformar todas as vibrações do mundo em sons.
    Se você acredita nisso firmemente, de agora em diante jamais duvidará, comece com os exercícios mais simples.
    Fique em completa imobilidade, até deixar de pensar, querer e sentir qualquer coisa.
    Sinta a alma, um pouco abaixo do peito.
    Deixe que seu esplendor vá impregnando suavemente todo o seu corpo, de cima para baixo e de baixo para cima, ao mesmo tempo.
    Abra  sua cabeça, no alto, ao centro, um pouquinho para trás, permita que penetre a corrente que paira sobre você nesse ponto, como uma densa esfera.
    Deixe que a corrente tome conta de você, suavemente, da cabeça aos pés, que continue sempre fluindo.
    Calmamente, pegue seu instrumento e toque, primeiro, só notas simples.
    Deixe que a corrente flua por todo o instrumento...
    Aí você vai experimentar tudo por si mesmo...

    (Fonte: Roy Bennett/ Jorge Zahar Editor)


    Karlheinz Stockhausen - Aus den Sieben Tagen 


    11/09/2008
    Ten hour performance of works by Stockhausen and James Tenney in Fredericton NB Canada in September 2008.
    Motion Ensemble ten-year anniversary
    http://motionensemble.com

    MÚSICA ALEATÓRIA


            A música aleatória procura maior liberdade, jogando com imprevisibilidade e sorte, tanto no processo da composição, quanto durante a execução da obra.Que notas usar e como usá-las, essa é uma decisão que o compositor pode tomar jogando dados. O executante pode escolher que notas ou que parte da música irá tocar e que duração dará as notas, bem como pode improvisar algumas notas. Em algumas peças podem aparecer símbolos, diagrama, desenho, ou nada mais que uma idéia, tudo para ser livremente interpretado.
           Na composição de John Cage(1912 - 1992): Imaginary Landscape nº4 (Paisagem Imaginária nº4), é para 12 aparelhos de rádio ligados em diferentes estações. Cada aparelho tem dois executantes - um para tratar da sintonia e outro para controlar o volume.
    (Fonte: Roy Bennett/ Jorge Zahar Editor)
     Imaginary Landscape 4 /John Cage


    07/11/2010
    Imaginary Landscape 4 by John Cage. In the composition for 12 radios, 24 performers, and director, two performers each operate radios whose kilocycle, amplitude, and timbre changes are notated. The score was conceived using the same methods as those used for the composition «The Music of Changes,» namely the factors of chance adapted from the Chinese «Book of Changes.» According to Cage, this complex and time-consuming compositional process has the following goal:

    »It is thus possible to make a musical composition the continuity of which is free of individual taste and memory (psychology) and also of the literature and ›traditions‹ of the art. The sounds enter the time-space centered within themselves, unimpeded by the service to any abstraction, their 360 degrees of cricumference free for an infinite play of interpenetration. Value judgments are not in the nature of this work as regards either composition, performance, or listening. The idea of relation being absent, anything may happen. A ›mistake‹ is beside the point,, for once anything happens it authentically is.«
    (Quelle: John Cage 1952, zit. nach: ders. , Silence, 1967, Cambridge Mass. S. 59.)


    Suite for Toy Piano | John Cage 



    02/11/2011
    Suite for Toy Piano by John Cage

    Joana Gama, Toy Piano
    [www.joanagama.com]

    1.10.11 | Inauguração do CAAA | Guimarães
    [www.centroaaa.org]

    10.1.11 | Opening of CAAA | Guimarães, Portugal
    [www.centroaaa.org]

    segunda-feira, 27 de fevereiro de 2012

    KARLHEINZ STOCKHAUSEN


          Na música eletrônica os sons podem ser eletronicamente modificados, com ajustamento de volume, filtragem, adição de vibratos, reverberações, ecos; podendo os sons serem mixados juntos, sobrepostos, ou divididos em fragmentos distintos. Determinados sons podem ser gravados em fitas diferenetes, para serem ajuntados depois, ou repetir os sons, criando um efeito de ostinato.
        Pode -se combinar sons com vozes ou instrumentos, soando naturalmente ou transformados por processos eletrônicos, ao vivo ou gravados.
        Um dos mais importantes compositores de música eletrônica foi Karlheinz Stockhausen ( 1928 - 2005), autor de obras como Kontakte, para sons eletrônicos, piano e percussão.


















    Karlheinz Stockhausen's KONTAKTE performed by Mathias Reumert and Stephen Drury. Part 1-1,
    1-2, 1-3,1-4. (21/08/2010)

    MÚSICA CONCRETA

        No final da década de 40, o compositor francês Pierre Schaeffer ( 1910 - 1995) realizou experiências no Estúdio da Rádio Francesa, que chamou de musique concrète, composta diretamente sobre fitas magnéticas, sem a abstração da simbologia musical. Os sons por ele registrados, eram sons naturais, como de uma porta batendo, uma rolha saltando da garrafa... em seguida esses sons eram transferidos para outra fita magnética, onde os sons eram misturados, superpostos ou modificados de maneira diversa. Pode-se modificar a altura do som alterando-se a rotação da fita ( maior velocidade da fita, mais alto será o som e vice-versa), ou tocá-la no sentido inverso. A composição resultante é uma montagem de sons armazenados em fita magnética, que pode ser tocada à vontade, dispensando a figura do "intérprete".(Fonte: Roy Bennett/ Jorge Zahar)

    Pierre Schaeffer - Etude Noire 



    Pierre Schaeffer - "Etude aux chemins de fer" 

    11/11/2007
    The first piece of "musique concrete," composed by Pierre Schaeffer in 1948 out of sounds produced by trains.

    This is posted as a reference to a series of articles on the problems of composition posed by musique concrete. The article on Peirre Schaeffer can be found here:

    http://againstthemodernworld.blogspot.com/2007/11/case-study-pierre-schaeffer...

    If you like this music, please purchase the album:

    http://www.amazon.com/L-Oeuvre-Musicale-Pierre-Schaeffer/dp/B00005Y972

    domingo, 26 de fevereiro de 2012

    NEOCLASSICISMO

            O compositor inglês Michael Tippett ( 1905 - 1998) integrou a seu estilo original a flexível tessitura rítmica e o contraponto imitativo dos madrigalistas elisabetanos, como no Concerto para Dupla Orquestra de Cordas. Os neoclássicos iam buscar sua inspiração no passado, mas imprimiam em suas composições marcas bem próprias do século XX: modulações repentinas, súbitas "torções" melódicas e harmonias ousadas, quase sempre introduzindo deliberadamente "notas erradas" ou usando a politonalidade.
           "Ritmos motores" podem ser usados para impulsionar a música vigorosamente, as tessituras frequentemente são polifônicas, dissonantes que pôem em relevo as linhas distintas do contraponto.As orquestras são menores e apresentam instrumentos fazendo fortes contrastes de timbre.É em geral um estilo "frio", dando preferência aos instrumentos de sopro e percussão.

    Sir Michael Tippett - Concerto for Double String Orchestra (Outer Movements) 


    Academy of St Martin-in-the-Fields.
    Conducted by Sir Neville Marriner
    05/12/2010
    Michael Tippett, in an extraordinary musical tour de force. I was astounded when I first heard it.

    Too long to include at once, here are the outer movements - the Allegro con Brio and the Allegro Molto. The profoundly affecting central Adagio Cantabile is elsewhere on my video list.

    It took a while for me to appreciate this piece fully - and isn't that true of everything in art that is lasting? I have fond memories of cycling around Suffolk with this entire concerto in my head, such was its impact on me.

    Apologies for the bad pan and scan "out of frame" mistakes. I'm learning some new slideshow software and aim to replace this with a more polished version.

    The images here are photos I took of parts England's Derbyshire Peak District, and of London. I used them simply because they are of England, which is Tippett's home territory. Given that he was a conscientious objector in WW2, I doubt he'd be impressed by my pics of the Household Cavalry, but I'd like to think the great man would forgive me.
    (Fonte: Roy Bennett/ Jorge Zahar)

    IMPRESSIONISMO

            Estilo Impressionista na música, foi o termo tirado do estilo de pintura de um grupo de artistas franceses conhecidos como "impressionistas". As pinturas desses artistas procuravam dar apenas a impressão de vagos e nebulosos contornos, e o jogo de luzes oscilantes e movimentos fugídios.
           Claude Debussy( 1862 - 1918 ), compositor e músico francês, queria afastar-se do pesado estilo romântico alemão, trabalhando em suas composições com harmonias e timbres instrumentais.Usava os sons por seu efeito expressivo, como "cores" e era mais confiante a seu instinto musical do que obediente as regras da harmonia, de modo que os acordes dissonantes ( 9ª e 13ª ) se fundem em outros, formando "cadeias de acordes" em movimentos paralelos. Dando a sua música o efeito de algo vago, fluídico, bruxuleante, que mais se acentua com o uso original que faz das escalas: modais e pentatônica ou a de tons inteiros, construída a partir de 6 notas a intervalos de um tom, nitidamente ouvida no início do segundo Prèlude:Voiles (Velas ou Véus), para piano.

    Debussy - Voiles, Marcelo de Alvarenga (piano) 


    Gravação em câmera fotográfica Sony (27/10/2009)


    A primeira obra  importante de Debussy, no estilo impressionista, terminada em 1894, foi L'Après-Midi d'un Faune



    18/06/2010
    Debussy : Prélude à "L'après-midi d'un faune"
    Condutor- Georges Prêtre

    (Fonte: Roy Bennet/ Jorge Zahar)

    sábado, 25 de fevereiro de 2012

    Músicas de Chiquinha Gonzaga e intérpretes

    Forrobodó - Chiquinha Gonzaga




    Piano - Maria Teresa Madeira
    Voz - Lenine



    Ó Abre Alas - Chiquinha Gonzaga



    Voz: Marlene, Emilinha e Angela Maria
    Piano: Leandro Braga


    Maxixe - Chiquinha Gonzaga



    Voz: Beth Carvalho
    Piano: Maria Teresa Madeira


    A Brasileira - Chiquinha Gonzaga



    Voz: Adriana Calcanhoto
    Piano: Maria Teresa Madeira

    sexta-feira, 24 de fevereiro de 2012

    SERIALISMO OU DODECAFONISMO

           Alban Berg ( 1885 - 1935 ), compositor suíço, discípulo de Arnold Schoenberg (1874 - 1951 ) também suíço, adotou o serialismo de maneira bem diferente, foi mais livre em suas abordagens usando as notas seriais fora da ordem e trazendo material que lhe parecesse necessário ao efeito que desejava criar. Sendo capaz de ordenar as notas de uma série de modo a deixar implícitos acordes reconhecíveis do sistema tonal maior-menor.
           A série a qual baseou seu elegíaco Concerto para Violino começa com uma cadeia de terças ascendentes que esboça quatro tríades entrelaçadas ( sol menor, ré maior, lá menor e mi maior), terminando com quatro notas da escala de tons inteiros. esse concerto foi escrito como um réquiem em memória de uma jovem conhecida sua, morta de paralisia infantil. No último movimento, Berg introduz um coral de Bach (Es ist genug[Basta]), que começa com quatro tons inteiros. Berg constrói sua música atonal em torno de um coral, de forma comovedora e plenamente convincente.
          O modo como mistura técnicas seriais com harmonias próprias do sistema tonal talvez seja a principal razão por que muitos ouvintes acham sua música mais acessível do que as de seu mestre Schoenberg.(Fonte:Roy Bennet/Jorge Zahar)

          Ouça a peça a seguir e descubra qual dos componentes musicais - melodia, ritmo, harmonia e timbre - se atribuiu maior importância, bem como o tipo de tessitura usado.
    Alban Berg: Concerto per violino e orchestra "Alla memoria di un angelo"



    28/10/2011
    Alban Berg (1885-1935) : Violinkonzert ''dem Andeken eines Engels'' (1935)
    1) Andante-Allegretto 2) Allegro-Adagio
    Ivry Gitlis, violino ; WDR Orchestra Sinfonica di Colonia, direttore Hans Vonk (1992)

    J.S. Bach: Es ist genug 


    08/01/2012
    The Chorale ("It is enough") from BWV 60 ("O Ewigkeit, du Donnerwort", 1723) is known to be quoted by Alban Berg in the second part of his Violin Concerto (Dem Andenken eines Engels, 1935). This is a familiar fact, but not so often is this chorale actually heard. Berg used it because Bach here opens with the full chromatic scale, in a context of death and requièm clearly. The first four notes are identical to the last four, and Berg used these same notes in the opening of the first part of the violin concerto.

    Karl Richter conducts the Munich Bach Choir and Orchestra.

    "I used to say that Bach was the first composer with twelve tones" (Arnold Schoenberg)

    quarta-feira, 22 de fevereiro de 2012

    O NACIONALISMO NO SÉCULO XX

          A corrente nacionalista iniciou-se na segunda metade do século XIX e penetrou no século XX; os compositores utilizavam canções folclóricas, músicas de dança, marchas e hinos como inspiração para suas composições. Na Inglaterra e na Hungria certos compositores fizeram uma abordagem científica desses cantos folclóricos, analisando seus padrões ritmicos e melódicos, que frequentemente baseavam-se em modos e escalas incomuns.
         Béla Bartók ( 1881 - 1945) compositor húngaro, em sua Sonata para Dois Pianos e Percussão, demonstra em sua composição um estilo próprio, sem fazer citações melódicas.


    Parte 1


    Parte 2


    23/02/2009(Part 1 e 2)
    Bartok Sonata for two pianos and percussion (1938)
    Matthew Thompson
    Jeremy Reger
    Dane Crozier
    Jeffrey Barudin

    A "Collaborative" Collaborative Piano Recital

    POLITONALIDADE

    Quando nos referimos ao tom de uma música, usamos o termo tonalidade, onde a nota principal é a tônica (I grau) e em seguida a dominante (V grau).
    Alguns compositores do século XX, introduziram a politonalidade, utilizando dois ou mais tons ao mesmo tempo.
     No Bolero de Ravel,  3 tons (I, III, V) são envolvidos simultaneamente na terceira entrada de seu conhecido tema.
    Maurice Ravel ( 1875 - 1937) compositor francês mundialmente conhecido pelo seu Bolero, ainda hoje a obra musical francesa mais tocada no mundo. A composição foi encomendada pela bailarina Ida Rubistein e estreou na Ópera de Paris em 1928.


    An impressive performance of Ravel's Bolero by the orchestra directed by the Dutch violinist and conductor Andre Rieu.

    sexta-feira, 17 de fevereiro de 2012

    MODERN JAZZ QUARTET

                                                                      SUMMERTIME





    MJQ - summertime
    35th anniversatry tour 1987
    John Lewis - Piano
    Milt Jackson - Vibraphone
    Percy Heath - Bass
    Connie Kay - Drums

                                                                 ROUND MIDNIGHT

    quinta-feira, 16 de fevereiro de 2012

    INFLUÊNCIAS JAZZÍSTICAS

    A influência no jazz norte-americano pode ser atribuído a vários componentes da música do século XX como: a grande vitalidade nos ritmos, melodias sincopadas sobre o ritmo constante; bemolização de certas notas da escala, como a 3ª e a 7ª (blue notes); efeitos de surdina; sons de percussão, instrumentos tocados em registros estridentes.

    Ouça as duas composições de Stravinsky e de Gershwin, percebendo quais  elementos do jazz estão sendo mais enfatizados?


    Ragtime, para 11 instrumentos -  Igor F.Stravinsky (1882 - 1971)

    Maestro - Kevin Field
    Orquestra Filarmônica Jovem da Malásia
    This is the Malaysian Philharmonic Youth Orchestra chamber players conducted by Kevin Field.



    Rhapsody in Blue (Part 1 e 2) - George Gershwin ( 1898 - 1937)







    Maestro e Piano Master - Leonard Bernstein ( 1918 - 1990)

    Royal Albert Hall, 1976 ( Part 1 e 2): A unique concert with Leonard Bernstein as the conductor and the Piano Master, performing George Gershwin's Rhapsody in Blue.

    Leonard Bernstein is one of the best and most famous composers, conductors and musicians of the world, ever.

    The innovative music, which he composed for the immense popular film "West Side Story" must be one of the reasons, at least for the beginning of an unique development in and for the history of music, and for the name Leonard Bernstein.
    We will never forget him.
    He lived from August 25, 1918 till October 14, 1990.
    His passing away is a loss for the world.
    His music is eternal.

    quarta-feira, 15 de fevereiro de 2012

    Teoria Musical Online (Exercícios)

    Teoria Musical Online

    Aulas Online:
    Introdução
    1 - Leitura de Música
    2 - Intervalos
    3 - Escalas
    4 - Acordes
    5 - Cifras



    Atenção:

    Para ver alguns exemplos, em algumas páginas dos tutoriais e exercícios abaixo, você precisa que o programa Macromedia Flash 7.0 (ou superior) esteja instalado no teu computador. Se você não consegue ver uma figura musical rodando logo acima deste parágrafo, isto pode significar que o programa não está instalado. Para baixar o programa, clique aqui.

    Exercícios Interativos (em Espanhol)
    Teoria e Leitura:
    Armaduras de Clave Acordes Funções Harmônicas
    - Construção Tríades Tríades
    - Identificação - Construção - Construção
    Claves - Identificação - Identificação
    - Leitura de Claves Acordes de Sétima Acordes de Sétima
    Escalas - Construção - Construção
    - Construção - Identificação - Identificação
    - Identificação Acordes de Nona Dominantes Secundárias
    Intervalos - Construção - Construção
    - Construção - Identificação - Identificação
    - Identificação Acordes Compostos Diminutas Secundárias
    Ritmo - Construção - Construção
    - Indicações de Compasso - Identificação - Identificação
    Sextas Aumentadas
    - Construção
    Sextas Napolitanas
    - Construção

    Exercícios Auditivos:
    Ditados de Leitura Ditados de Acordes Escalas e Melodias
    - Ditado Rítmico - Tríades - Ditado de Escalas
    - Ditado de Notas - Acordes de Sétima - Ditado Melódico
    - Ditado de Intervalos - Progressões



    Fonte: Music Theory Web, © de José Rodríguez Alvira
    Traduzido e publicado com autorização do autor



    Página de Abertura Índice de Artigos Técnicos



    Se você gostou desta página, envie o link para os amigos via e-mail!

    Nota: É necessário ter um programa de e-mails (Outlook, Eudora, Netscape, etc...). Não funciona por WebMail.

    Fonte: http://www.musicaeadoracao.com.br/tecnicos/teoria_musical/teoria_online/index.htm

    Softwares de Treinamento (gratuitos)

    - Solfege - é um excelente software de percepção musical e treino de audição. Com este programa você poderá treinar diversas atividades musicais como:Intervalos, Acordes, Escala, Ritmo, Ditados, Progressões harmônicas, etc. Na verdade, trata-se de um programa completo para o desenvolvimento da percepção musical. Uma ferramenta e tanto para ajudar os alunos e professores no estudo do dia-a-dia. Fonte: http://www.solfege.org/

    - Jogo da Memória Musical - produz aleatoriamente ditados melódicos que devem ser memorizados e reproduzidos pelo usuário, auxiliando tanto a percepção melódica (relativa e absoluta), quanto a capacidade de memorização.

    - Guido - permite o estudo de intervalos, tríades, tétrades, modos e notas individuais, suportando um grande número de opções de configuração.

    - Pitch Coach (em Inglês - formato ZIP) - para o treinamento da noção de tom e harmonia, abrangendo tons relativos, tons absolutos, intervalos e acordes (inclusive inversões).

    Fonte: http://www.musicaeadoracao.com.br/tecnicos/teoria_musical/

    WILHELM RICHARD WAGNER E O DRAMA MUSICAL

     As obras de Wagner (1813 -1883) são constituídas praticamente de óperas, baseadas em lendas germânicas, ou nórdicas, com libreto escrito por ele mesmo. Ele não utiliza o termo ópera, mas sim, dramas musicais, seu objetivo era  fazer uma fusão de todas as artes cênicas - o canto, a representação, os costumes, o cenário,a iluminação e os efeitos de cena, sendo que a orquestra contribuia para o resultado final.
     Wagner era mestre em orquestração e utilizava vários instrumentos, com uma enorme orquestra,  poderia causar problemas aos cantores pelo volume do som, então projetou para que a orquestra ficasse abaixo do palco, assim os cantores projetavam suas vozes diretamente ao público.
      As harmonias de seus dramas são ricas em cromatismos e dissonancias. Suas óperas mais conhecidas são: Os Mestres cantores de Nuremberg, Lohengrin,O Navio Fantasma,Tristão e Isolda e 4 óperas ( O Ouro do Reno, A Valquíria, Siegfried e Crepusculo dos deuses) que constituem o ciclo Anel dos Nibelungos ( escrito pra ser encenado durante 4 noites em seguida).

    Tristan und Isolde ("Tristão e Isolda", em alemão) é uma ópera em três atos com música e libreto do compositor alemão Richard Wagner, baseada em uma lenda medieval narrada por Gottfried Von Strassburg. A estreia da obra foi em 10 de Junho de 1865, em Munique, no Teatro da Baviera, sob regência do maestro Hans von Bülow.A partitura de Tristan und Isolde é um marco importantíssimo da música erudita moderna por apontar para a dissolução da tonalidade, cuja consequência será o atonalismo do século XX.


    Tristan und Isolde: Liebestod (Orchestral)
    Polish National Radio Symphony Orchestra
    Maestro - Johannes Wildner

    This is the orchestral version of the liebestod, the final monologue of Wagner's Tristan und Isolde performed by the Polish National Radio Symphony Orchestra conducted by Johannes Wildner.

    To my opinion, this is the best version of the orchestral version of the liebestod. It equals the Karajan recording easily. What do you think?

    This video includes notable paintings by:
    - John William Waterhouse
    - Herbert Draper
    - Kris Waldherr
    - Edmund Blair Leighton
    - Rogelio de Egusquiza
      24/07/2011

    terça-feira, 14 de fevereiro de 2012

    O CONCERTO



      "O concerto romântico usava grandes orquestras; e os compositores, agora sob o desafio da habilidade técnica dos virtuoses, tornavam as partes de solo cada vez mais difíceis. O 1º Concerto para Piano de Piotr I. Tchaikovsky (1840 - 1893), foi um exemplo, inicialmente considerados inexequiveis, tamanha era a dificuldade técnica de sua execução.
     ... entretanto, graças ao virtuosismo dos intérpretes e ao talento dos compositores, a parte de solo sempre emerge da batalha coberta de magníficas glórias!" (Fonte: Roy Bennett/ Jorge Zahar Editor)




     Regente - Maestro indiano Zubin Meta,atualmente maestro da Filarmonica de Jerusalem.

    ALEXANDER BORODIN

     Alexander Borodin. (1833 - 1887)

        O compositor fez parte do Grupo dos Cinco : Balakirev, Borodin, Cui, Mussorgski e Rimsky-Korsakov, cujo objetivo era compor em um estilo genuinamente russo. Trabalhavam juntos, nas orquestrações e acabamentos das peças.
        Borodin nunca se dedicou exclusivamente à música. Foi médico e professor de química escrevendo muitos tratados científicos e fazendo importantes descobertas, notadamente no campo do benzol e aldeídos. Destacou-se como um cientista de renome, mesmo a nível internacional, havendo até uma reação química que ostenta o seu nome. Borodin não compos muitas obras, uma vez que dedicou-se à composição apenas nas férias ou quando estava doente.
         A ópera Príncipe Igor, de Borodin ( que inclui as Danças Polovitsianas, com seus tons bárbaros e exuberantes), é a mais conhecida.





    Borodin: Prince Igor
    Polovtsian dances
    Mikhailovsky Theatre
    conductor Stanislav KOCHANOVSKY
    19/02/2009
    http://www.kochanovsky.ru

    Бородин: Князь Игорь
    Половецкие пляски
    Михайловский театр
    Дирижер Станислав КОЧАНОВСКИЙ
    19/02/2009

    CORAIS ALEMÃES

     A tradição de se compor hinos para serem cantados pela congregação, teve início na Alemanha  do século XVI, em que a igreja protestante liderada por Martinho Lutero, procurava conduzir as pessoas num contato mais direto com Deus. Iniciou o desenvolvimento de hinos para serem cantados pela congregação na língua alemã  no lugar de corais cantados em latim, onde a maioria do povo não entendia.
    Essa músicas podiam ser recentemente compostas, como adaptações até mesmo de canções populares e catochãos. Esses hinos são chamados corais, sendo um dos mais conhecidos e cantados até os dias de hoje de autoria do próprio Lutero, intitulado Nosso Deus ainda é uma cidadela segura (Castelo Forte).


     Hino Castelo Forte ( Coral e Orquestra- Igreja de Confissão Luterana)



    Letra e Música - Martinho Lutero (1483-1546)
    “O melhor cântico, do maior homem, no mais importante período da história germânica”, é a opinião de James Moffat. Este “Cântico de Batalha da Reforma” foi primeiramente publicado em “Geisleche Lieder” em 1529. Foi traduzido umas oitenta vezes, em pelo menos cinqüenta línguas. Foi provavelmente escrito por ocasião da Dieta de Spira, em 1529, quando o partido Evangélico fez seu protesto em 19 de abril, pelo qual, “em assuntos relacionados com a honra de Deus e a Salvação de nossas almas, cada homem deverá estar só diante de Deus e dar contas de si mesmo.”

    O Dr. John Julian diz a respeito dos cânticos de Lutero; “Seus cânticos se caracterizam pela simplicidade, força e popular tom religioso. Eles transpiram audácia, confiança, espírito alegre provindo de uma fé que justifica, a qual é o vivo coração de sua teologia e piedade. Ele possuía a extraordinária faculdade de expressar em uma linguagem clara, pensamentos profundos. Neste dom ele não é superado por qualquer escritor não inspirado e nisto esta o segredo do seu poder”. (Dictionary of Hymnology, Julian, pág. 414).

    Martinho Lutero deu ao povo alemão a Bíblia em sua própria língua , o Catecismo e o Hinário, a fim de que Deus pudesse falar-lhes diretamente através de Sua Palavra, e eles pudessem falar a Deus através dos cânticos religiosos, os quais tem sido um dos proeminentes característicos da Igreja Protestante.

    Lutero cria na música e no seu lugar no culto divino. “Estou fortemente persuadido”, escreveu ele, “de que depois da Teologia, a música é a única arte capaz de dar paz e alegria ao coração, como aquela produzida pelo estudo da ciência da divindade”.

    Trinta e sete cânticos e um bom número de melodias lhe são creditadas. Este é provavelmente o maior de todos os corais e tanto a letra quanto a música são obra do próprio Lutero. Pode ser tomado como o símbolo da Reforma.

    Fonte: Histórias de Hinos e Autores - CMA - Conservatório Musical Adventista

    segunda-feira, 13 de fevereiro de 2012

    MÚSICA PARA PIANO

            No século XX o piano passou por vários melhoramentos, o número de notas foi aumentado, os martelos, que antes cobertos de couro, passaram a ser revestidos de feltro, e o cepo que era de madeira, passou a ser de metal, com maior resistência, portanto, à tensão exercida pelas cordas, agora mais longas e grossas. Tudo isso contribuindo para que a sonoridade do instrumento ficasse mais rica e cheia, aumentando suas possibilidades em termos de registro, volume e tonalidade. Assim, os compositores românticos passaram a explorar toda a extensão do teclado, escrevendo tessituras ricas e variadas que muito dependiam do pedal direito.
            Quase todos os compositores românticos compuseram música para piano, os mais importantes foram Schubert ( 1797-1828), Mendelssohn ( 1809 - 1847), Chopin (1810 - 1849), Schumann (1810 - 1856), Liszt ( 1811 - 1886) e Brahms ( 1833 - 1897).
            O compositor que mostrou maior compreensão do caráter e das possibilidades do piano foi Fréderic Chopin, pois tinha o dom de compor melodias de grande inspiração, que normalmente harmonizava de uma maneira incomum, uma melodia expressiva cantando pouco acima de um acompanhamento muito sóbrio, com o uso cuidadoso do pedal direito.


    This is Valentina Igoshina playing Chopin's Fantasie Impromptu in C Sharp Minor, Op. 66.

    MÚSICA ELISABETANA PARA TECLADO

         Em muitos lares elisabetanos, além de flautas, alaúdes e violas, havia também um instrumento de teclado como um pequeno órgão, ou um clavicórdio, cujas cordas eram batidas por diminutas cunhas de metal (tangentes), ou um virginal o mais popular dos instrumentos de teclado. Este, era na verdade, uma forma simplificada do cravo, pois, para cada nota, tinha uma só corda que corria paralelamente ao teclado.
         A maioria dos compositores elisabetanos escreveu peças para virginal.Descobriram um bom estilo para teclado, bem condizente com o instrumento: acordes espaçados, ornamentos cintilantes, muitas escalas corridas e passagens virtuosísticas. Das muitas coleções de peças para virginal, as mais conhecidas são Parthenia - "a primeira música jamais impressa para virginal"- que compreende 21 composições de Byrd (1543-1623), Bull (1563-1628) e Gibbons (1583-1625), The Fitzwilliam Virginal Book, com quase 300 peças de muitos compositores elisabetanos.



    A famous piece by William Byrd this time. Could be played perhaps a bit more lively, but not on this virginal however.
    The new bone keys are working much better, but still you have to play carefully on this instrument.
    I will try to add some more weight to the keys, I think.

    My Hard disk probably suffered from my productivity and broke down. Fortunately I still can use it very slowly to make some backups.
    I had this video in store.

    LA VOLTA: http://en.wikipedia.org/wiki/Lavolta

    ernst stolz

    MÚSICA MEDIEVAL


           A música de Guillaume Machaut (1300-1377), ia desde canções até peças para missas.
           Ouça uma das canções de Machaut, Douce Dame Jolie e observe os instrumentos utilizados, talvez alguns você nem conheça, mas interessante é observar os timbres característicos dos instrumentos medievais. As composições (motetos) eram resultantes da sobreposição de melodias e palavras, frequentemente trazendo problemas de desentrosamento.


    L'amour courtois
    Guillaume de Machaut : Douce Dame Jolie

    Os instrumentos medievais, que deveriam acompanhar danças e canções incluíam:

    Galubé (flauta) e Tamborim
    Alaúde medieval
    Cítola ou cistre
    Viela de roda
    Saltério
    Corneto ( parecido com bocal do trompete, mas com orifícios para os dedos, como os da flauta)
    Charamela ( um dos antepassados do oboé)
    Rebec       (  3 cordas friccionadas com arco)
    Viela (maior que as violas modernas)
    Harpa (menor que a moderna e com menos cordas)
    Órgão portátil (poucas notas)
    Flautas doces de vários tamanhos
    Trompete medieval
    Gaitas de fole
    Címbalos, triângulos e tambores diversos.

           Agora ouça uma peça de Machaut, da Messe de Notre Dame, perceba a diferença entre ela e a  canção que acabou de ouvir.
           Tessituras polifônicas, chamadas de organum, peças elaboradas a partir de cantochões preexistentes.


    Agnus Dei - dalla Messe de Notre Dame
    cantato dai solisti dell' Ensemble Gilles Binchois

          Para você ter uma amostra viva do estilo da música medieval e sentir o clima, execute alguma peça, use instrumentos que estiverem ao seu alcance, mas que tenham sons parecidos com os mencionados acima. Sugestão: Danse Royale( século XIII).

    LUDWIG VAN BEETHOVEN

           Beethoven (1770-1827) é uma colossal figura na história da música. Tal como Monteverdi, dois séculos antes, também ele atravessou duas eras, último dos compositores clássicos e, ao mesmo tempo, o primeiro dos românticos. Compunha para agradar a si mesmo.
          Ouça a obra de Beethoven, Sonata para Piano nº 23, em Fá menor (Appassionata), obra essa escrita em estilo mais individual, mais pessoal - mais profunda em matéria de sentimento.

    Enlace Lista de reproducción "BARENBOIM ON BEETHOVEN - Live from Berlin":
    Intérprete:Daniel Barenboim, piano



     

    domingo, 12 de fevereiro de 2012

    CLASSICISMO

        O primeiro movimento de Eine kleineNachtmusik ( Pequeno Serão Musical), de Mozart, foi planejado na forma sonata. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791) chamava também essa peça de serenata (música noturna) a qual, como o divertimento, é de caráter mais leve do que a sinfonia e frequentemente se destina a ser executada ao ar livre.

    Mozart " Eine kleine Nachtmusik" Allegro 

       Ouça a música e depois descreva a orquestra que toca essa "serenata", quais os instrumentos que a compõem??

      A orquestra no fim do século XVIII continha:
    1 ou 2 flautas
    2 oboés
    2 clarinetas
    2 fagotes
    2 trompas
    2 trompetes
    2 tímpanos
    cordas ( violinos, violas, contrabaixos, violoncelos)

    RENASCENTISMO X BARROCO

     Ouça  o Glória de uma missa de William Byrd(1543-1594) e o da Missa em Si Menor de Bach(1685-1759), perceba as propriedades de estilo que dão a uma peça aquele sabor especial que identifica como pertencente a um período determinado.
     William Byrd (renascentista) e  Johann Sebastian Bach (barroco).

    Renascentismo - Música Sacra: algumas peças destinadas a execução a cappella, contrapontística, com muita imitação e nas quais os elementos musicais estão combinados e entrelaçados de modo a se criar uma tessitura de fluxo contínuo. Músicas escritas a 4 ou mais vozes.

    Gloria from the Mass for 4 Voices by William Byrd, sung by Quire Cleveland, directed by Peter Bennett. Début concert at St. John's Cathedral, Cleveland.


    Barroco - A música é exuberante, ritmos energéticos a impulsionam para a frente; as melodias são tecidas em linhas extensas e fluentes, com muitos ornamentos (trinados, por exemplo); contrastes de timbres instrumentais, de sonoridades fortes com suaves.





    Bach - B minor Mass - 23 - Hosanna 
    Buy this DVD from : http://amzn.to/o4G3It Munich Bach Orchestra, Karl Richter

    PERÍODOS DA HISTÓRIA DA MÚSICA

     Os musicólogos dificilmente estão de acordo a respeito das datas que marcam o princípio e o fim de um período, ou mesmo sobre o nomes a serem empregados na descrição do estilo que o caracteriza.
     A  História da Música do Ocidente está dividida em períodos, indicando as datas correspondentes:

    MÚSICA MEDIEVAL -                 900 - 1400

    MÚSICA RENASCENTISTA -    1400 - 1600

    MÚSICA BARROCA -                 1600 - 1750

    MÚSICA CLÁSSICA -                 1750 - 1810

    ROMANTISMO DO SÉC. XIX-  1810 - 1890

    PÓS ROMANTISMO -                 1890 - 1920

    IMPRESSIONISMO -                   1880 - 1920

    MODERNISMO -                         1910 -  até os dias de hoje

    DODECAFONISMO -                  1923 - 1960

    NEOCLASSICISMO -                  1920 - 1950

    EXPERIMENTALISMO -            1950 - 1970

    MINIMALISMO -                         1960 - em diante

    CONTEMPORÂNEOS ATUALMENTE

    (Fonte de Pesquisa: http://cult.nucleo.inf.br )

    FEMUP



    FEMUP – FESTIVAL DE MÚSICA E POESIA DE PARANAVAÍ E CONCURSO LITERÁRIO DE CONTOS


           O FEMUP existe desde 1966. É um dos mais antigos Festivais do Brasil e talvez o único que reúne em três noites poesia, música, conto e declamação.

           Alunos do Curso de Oratória e Liderança, do Colégio Estadual de Paranavaí, liderados pelo professor Gomes da Silva, pensaram em fazer uma “noite de arte”, envolvendo declamação, poesia e música. Levaram a idéia ao professor. Ele gostou. Mas aconselhou o nome de “festival” – sugeria festa, alegria – E disse: “Vamos chamar de 1º FESTIVAL DE MÚSICA E POESIA, pois poderá continuar”.

           Em 1968, o 3º Festival de Música e Poesia de Paranavaí, ganhou um companheiro, o 1º Concurso Literário de Contos. Então o FEMUP passou a se chamar Festival de Música e Poesia de Paranavaí e Concurso Literário de Contos.

          Todos os anos a Fundação Cultural promove este evento que conta com a participação de artistas de várias partes do Brasil.

          O FEMUP não é da Prefeitura. Não é da Fundação Cultural. Não é de ninguém. O FEMUP é patrimônio histórico nacional. Sua importância na vida das pessoas, que de alguma forma dele participam, transcende a compreensão de nós, simples mortais.
                                      
          No ano de 2004, morando em Paranavaí, fui convidada a participar do juri do FEMUP, na sua
    39ª Edição. Muitos talentos participaram de todos os cantos do país e do exterior, amantes das artes  seja  música ou  poesia. Evento fantástico que  no ano de 2012 terá a sua 47ª Edição.


        
        Todos os anos a Fundação Cultural promove o show "As Melhores do FEMUP Regional" que consiste na reapresentação das 15 músicas classificadas, no FEMUP, da Regional de Cultura da Amunpar, que compreende 28 municípios da região noroeste do Paraná.

        Logo após as apresentações é realizado um barzinho com MPB ao vivo, com a participação de músicos convidados.





                                           FEMUP - 39 ANOS SEMEANDO CULTURA

    "O gênio é Deus quem nos dá, mas o talento é por nossa conta"

    Gustave Elaubert (romancista francês)

    O Festival de Música e Poesia, criado em 1966 pelos alunos do antigo Curso Clássico do Colégio Estadual de Paranavaí, enriquecido em 1969 com a introdução do Concurso de Contos, veio para ficar. A música era apenas ilustrativa nos intervalos, mas em 1973 integrou-se ao Festival para concorrer como categoria MPB.

    Com a extinção do Curso Clássico, o Festival ficou sob a responsabilidade dos alunos do segundo grau e em 1987 passou a fazer parte das atividades da Fundação Cultural e do Colégio Estadual.

    Graças a um grupo de professores e amantes das artes, tomou vulto Nacional recebendo trabalhos de todos os cantos do país e de brasileiros que transferiram residência para o exterior.

    O FEMUP melhora a cada ano. Encanta a cada apresentação. Fascina a cada edição. Expande-se como os raios do sol por esse Brasil afora. Frutifica-se a cada gota de orvalho literário. Ilumina-se no compasso de cada canção. Celebra com cada novo artista que desponta no horizonte das letras.

    São páginas pintadas com sangue. Sangue da alma dos artistas. O Festival “Zé Maria” de Declamação, incentiva declamadores a mostrar seus talentos e disputar uma vaga nas finalíssimas, mostrando suas habilidades interpretando os mais arrojados poetas.

    O FEMUP é hoje motivo de orgulho para a cultura paranavaiense. Realizando-se no Teatro Municipal Dr. Altino Afonso Costa, as apresentações são realmente fantásticas, emocionantes, com o teatro repleto, fazendo vibrar a alegria nas paredes.

    Nossos aplausos à Equipe Organizadora do Festival, às Comissões julgadoras, aos patrocinadores e especialmente aos artistas, compositores e escritores.

    Faço minhas as palavras do físico alemão Albert Einstein: "A coisa mais bela que o homem experimentou é o mistério. É essa emoção fundamental que está na raiz de toda ciência e de toda arte"                                            
                                                                       

                                 Cleuza Cyrino Penha (39º FEMUP- 2004)
                                                                                             

    (Fonte: http://www.novacultura.com.br/v08/index.php/textos)